Das Künstlerduo “ShoShō” experimentiert im interdisziplinären Bereich zwischen Bildender Kunst und Musik. Der Name basiert auf der ostasiatischen Kalligraphie „Sho 書” und der japanischen Mundorgel „Shō 笙“.
ShoShō sucht nach neuen Wegen in der Verbindung und Entwicklung ihrer originären künstlerischen Disziplinen.
Der Titel „USUI(雨水)“ ist der Name einer der 24 jahreszeitlichen Perioden, 19. Februar - 5. März, wenn die Sonne am 19. Februar den 330°-Punkt auf der Ekliptik passiert. Noch liegt Schnee, aber die Natur erwacht und der Frühling nähert sich. In der alten Zeit wurde diese Periode „USUI(雨水)“ (übersetzt Regenwasser) genannt. ShoShō fängt das Licht dieser Jahreszeit mit Kalligraphie und Klang ein und bringt mit der Performance im ITO-Raum unsere Beziehung zur Natur zum Ausdruck, von innen nach außen und von außen nach innen.
Die Performances finden am 11.02.2023 und am 04.03.2023 statt. Es ist eine bestätigte Reservierung erforderlich.
Der Mandschurenkranich und Das Ende der Welt
Der Mandschurenkranich und Das Ende der Welt
Der Mandschurenkranich und Das Ende der Welt
Peter Granser
Der Mandschurenkranich und Das Ende der Welt
In "Der Mandschurenkranich und Das Ende der Welt", beleuchtet Peter Granser das komplizierte Verhältnis von Mensch und Natur. Der Kranich, der besonders in Asien seit alters her ein Symbol für Glück und langes Leben ist, steht hierbei stellvertretend für den widersprüchlichen Umgang des Menschen mit der Natur.
Granser zeigt stilisierte, von der natürlichen Umgebung fast losgelöste Fotografien, die sich in klarer Abgrenzung zur traditionellen Naturfotografie an der japanischen Wandschirmmalerei orientieren.
Hypnotische Bilder sich endlos auftürmender Dampfwolken, die zu Fuße eines Vulkans in den eiskalten Himmel aufsteigen, führen in der 25-minütigen Videoarbeit „Das Ende der Welt“ in eine Welt zwischen Anfang und Ende aller Dinge. Filedrecordings des zischenden und blubbernden Untergrunds am Fuße des Vulkans sind die Grundlage von Martin Wehls begleitender Komposition.
ITO zeigt Teeschalen, Teekannen und Vasen von den Keramikmeistern Tsuyoshi Kato, Shigeyoshi Morioka, Hiroshi Kawajiri, Okano Hosei sowie Matthias Kaiser.
Dambi´s Mind Cuisine and Incense Making Workshop
Dambi Kim
Dambi´s Mind Cuisine and Incense Making Workshop
#1 Dambi's Mind Cuisine: Autumn @ LAR Studio Kitchen
As autumn deepens, we welcome the season of Nabe (鍋, なべ, asian hotpot dish) to share with the loved ones. In Dambi’s mindful cuisine, Asian buddhist food inspired vegan dishes are prepared practically with time and care with buddhist philosophy and stories.
A typical Shojin Ryori (精進料理, devotion cuisine) is mostly soybean-based foods like tofu along with seasonal vegetables and wild mountain plants, which are believed to bring balance and alignment to the body, mind, and spirit.
During the event, a cooking demonstration will be carried out with a cooking recipe handout to bring home with, followed by a dining experience of one rice dish, one soup and two side dishes.
October 28th Friday 18:00 at LAR Studio kitchen - 8 participants - fully booked
#2 DIY Incense making workshop @ ITO-Raum
In a sophisticated Japanese tearoom, they invented a mild and indirect way to burn incense using charcoal and ashes with the least smoke for their guests. In Heian Period, Japanese Bourgeois devised different ways of creating aromas such as kneaded and pressed incense.
In this workshop, we will understand how to burn incense in a Japanese tearoom and how to make colorfully shaped & pressed incense and round kneaded incense.
Dambi tries to deliver the serenity and transience of life through tea, incense, words and sounds. By playing a Korean traditional black zither, she was first introduced to the way of tea. Philosophically, medieval Japanese Tea Master, Sen Rikyu’s wabi-sabi teaching immensely caught her mind. She simply wanted to put it into practice in her every day life. She fell in love with Chinese tea during her sojourn in Europe. She returned to Asia to learn Eastern tea and incense ceremony as well as Buddhist cuisine which can nurture the humble state of body and mind.
40 Tage - Künstlerbuch
40 Tage - Künstlerbuch
Buchpräsentation
Mit der Veröffentlichung des Buches "Vierzig Tage" kommt das gleichnamige Residency- und Ausstellungsprojekt zum Abschluß. Unter dem Titel "Vierzig Tage. Eine Ausstellung am Rand der Zeit" wurden im vergangenen Jahr Arbeiten von Shirley Cho, Peter Granser, Florina Leinß, Patrick Suhm, Shinroku Shimokawa und Hannah Zenger in verschiedenen Settings gezeigt: Zuerst am Langenbachhof im Schwarzwald, anschließend im ITO Raum und zuletzt in der Galerie Kernweine.
Im Gespräch mit Arne Schmidt (Kunstmuseum Stuttgart) geben Peter Granser (ITO Raum), Kerstin Göhlich und Lutz Näfelt (Pnin Books) Einblick in die Entstehung der Publikation.
Nur an diesem Tag kann das Buch auch als limitierte Edition mit einem im Schwarzwald gesammelten, getrockneten und eingelegten Pflanzen-Unikat erworben werden.
Die beteiligten Künstler*innen sind anwesend. Wir freuen uns auf Euer Kommen!
ITO Raum - 24.09.2022 - 17 Uhr
Von Steinen und Wäldern
Von Steinen und Wäldern
Shinroku Shimokawa / Peter Granser
Von Steinen und Wäldern
Shinroku Shimokawa und Peter Granser sind zu Gast im LAR Studio. Shimokawa zeigt Werke aus der Serien "Standard" und "1:5", Granser aus seinem aktuellen Schwarzwald-Projekt.
Shinroku Shimokawa ist Bildhauer und arbeitet mit Stein, Holz, Wind oder Licht. Ihn interessiert der Herstellungsprozess und die Eigenschaften von Material, Masse, Raum und Zeit. Seine Arbeiten bewegen sich zwischen klassischer Steinskulptur, performativem Untersuchen, Videosequenzen sowie seiner besonderen Beziehung zur Kunst des Kochens.
Peter Granser ist Fotograf. Seine Arbeiten kreisen um Themen wie Zeit, Leere, Natur und Bewusstsein. Das sinnliche Potential des Gehens, die Erkundung des Raums und Erfahrung atmosphärischer Präsenz und sich selbst in ihr wiederfinden ist für seine Arbeitsweise prägend. Seit Februar 2021 arbeitet er an der neuen Werkgruppe im Schwarzwald.
22.09.2022 - 01.02.2023
LAR Studio - Wolframstrasse 20 - 7191 Stuttgart
Ein Abend für 10
Uwe Löllmann
Ein Abend für 10
Künstlergespräch / Film-Screening / Sake Tasting
Zum Abschluss der Ausstellung "Anagama" findet am 16. September ein Gespräch mit Uwe Löllmann im ITO statt. Zudem zeigen wir einen 35-minütigen, wunderbaren Film von 1968 über den berühmten Keramikmeister Arakawa Toyozo, einen lebenden Nationalschatz Japans. Der Film ist herausragend in seiner Erzählweise und läßt die eher bescheidene Bildqualität rasch vergessen. Begleitend gibt es eine feine Auswahl an Premium Sake.
Ikebana Workshop
Kanako Nakagawa
Ikebana Workshop
Ikebana bedeutet "lebendige Blumen". Kanako Nakagawa hat die Technik der japanischen Blumensteckkunst von Ihrer Großmutter, einer Ikebana Meisterin, gelernt und führt in die Technik ein.
...
Das Hauptelement von Ikebana ist nicht die Blume, sondern der GEIST, sie – die Blume – zum Leben zu erwecken.
Sofu Teshigahara
Anagama
Anagama
Anagama
Anagama
Anagama
Anagama
Anagama
Anagama
Anagama
Anagama
Uwe Löllmann
Anagama
Einmal im Jahr verwandelt sich Uwe Löllmanns friedlicher Kapellenhof im Hegau in den Schauplatz eines mehr oder weniger kalkulierten Infernos. Dann werden die großen und kleinen Vasen, die Schalen und Chawan gebrannt, die er in dem Jahr gedreht hat. Und brennen ist in diesem Fall wörtlich zu verstehen. Um seine Keramiken zu härten, entfacht Uwe Löllmann ein Holzfeuer, das ununterbrochen sieben Tage und sieben Nächte bei etwa 1300 Grad lodert.
Dieses Feuer am Laufen zu halten, ist an sich schon eine existenzielle Erfahrung, fast eine künstlerische Performance. Auch sonst unterscheidet sich die Anagama-Keramik grundlegend von den Vorstellungen, die man hierzulande üblicherweise mit Töpferei verbindet. Anagama-Keramik ist roh und grob und elementar wie die Werke des Expressionismus oder der Arte Povera. ( Auszug aus einem Text von Ulrich Clewing )
Über Steine und Bücher
Jonas Beuchert X Peter Granser X Shinroku Shimokawa
Über Steine und Bücher
Booktalk in der Galerie Kernweine
Peter Granser stellt zusammen mit dem Verleger und Grafiker Jonas Beuchert von Edition Taube sein neues Buch „88 stones“ vor. Die Fotografien, die Granser im Lockdown wiederentdeckt und editiert hat, sind 2013 auf Shikoku entstanden. Die japanische Insel ist berühmt für seinen Pilgerweg, der 88 Tempeln verbindet.
Shinroku Shimokawa wird einen persönlichen Einblick in sein Künstlerkochbuch „Man kann keine Steine essen - Kochbuch eines japanischen Bildhauers“ geben. Erschienen ist das Buch 2021 bei Prima.Publikationen und wurde mit dem "Preis der Stiftung Buchkunst" als das "Schönste Buch des Jahres" ausgezeichnet.
Vierzig Tage
Vierzig Tage
Eine Ausstellung am Rand der Zeit
Die Galerie Kernweine zeigt in Kooperation mit ITO "Vierzig Tage - Eine Ausstellung am Rand der Zeit" in neuer Konstellation mit Arbeiten von:
SHIRLEY CHO X KERSTIN GÖHLICH X PETER GRANSER X FLORINA LEINß X LUTZ NÄFELT X SHINROKU SHIMOKAWA X PATRICK SUHM X HANNAH ZENGER
Wir alle haben den Stillstand während des Lockdowns kennengelernt – eine Erfahrung, die wir zwar gemeinsam, jedoch jeder isoliert für sich machen musste. Während die einen dem kulturellen Angebot ihrer Stadt nachtrauerten, entwickelten andere neue kreative Projekte. Auf ähnliche Weise angetrieben, organisierte der ITO Raum im Februar, Juni und August 2021 eine 40-tägige Künstler:innen-Residenz mit begleitender Ausstellung im Langenbachhof (Schwarzwald), um so dem kulturellen Stillstand im Lockdown entgegenzuwirken. Die Ausstellung der 6 Stuttgarter Künstler:innen vereint eine Vielzahl von Werken, die eine Auseinandersetzung mit Raum und Natur gemein haben.
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Lisa Mühleisen
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Weich fließen die lichtreflektierenden Tropfen aus transparentem Kunstharz über die fleischfarbigen Bildflächen. Immer wieder glitzern sie im Licht, besonders dann, wenn sich am Ende ihrer Tropfenspur dickere Wülste angesammelt haben. Stellenweise verschwimmt der Hauch ihrer Spur mit dem Untergrund und ist dann nur unmerklich durch eine leicht dunklere Färbung des Inkarnats auf der Holzplatte zu erkennen...
(Auszug aus dem Text "Soft Flesh" von Nicola Höllwarth)
Hinweisen möchten wir aus aktuellem Anlaß auch auf die Arbeit "A Title Manifesto against war, 2022" von Lisa Mühleisen.
Usaginingen
Live-Cinema
Usaginingen
Live-Cinema Performances in Stuttgart
Am 9. und 10. Juni, jeweils um 20.00 Uhr (Einlass 19.30 Uhr), tritt das japanische audio-visuelle Performance-Duo zum ersten Mal in Stuttgart auf.
Usaginingen bedeutet Hasen-Menschen und besteht aus Emi und Shinichi Hirai. Mit ihrer einzigartigen Performance und ihren selbstgebauten Instrumenten, entführen sie die BesucherInnen in magische Klang- und Bildwelten.
Usaginingen sind bereits in über 20 Ländern aufgetreten und haben zahlreiche Preise für ihre Performances erhalten, wie zum Beispiel 2014 den Live Cinema-Wettbewerbspreis beim Reykjavik Visual-Music Festival. Nach sechs Jahren in Berlin, leben sie seit 2017 auf der japanischen Insel Teshima und betreiben dort ein eigenes Theater. Einen ersten Einblick in das Werk von Usaginingen bekommt Ihr hier: https://usaginingen.com
Untitled ist eine Performance-Serie der chinesisch/deutschen Künstlerin Echo Ho. Sie erforscht die künstlerische Intelligenz, die in einer antiken Qin-Melodie, "Secluded Orchid in Jieshi Mode", verkörpert ist. Stone Orchids, eine wechselseitige musikalische Partitur, wurde geschaffen, um die Geschichten der intimen gegenseitigen Liebesbeziehungen zwischen Menschen und einer Orchideenart weiter zu erzählen, die aufgrund des Klimawandels und des Verlusts ihres Lebensraums nach zwei Jahrtausenden vom Verschwinden bedroht ist. Bei der Herstellung neuer Beziehungen hat eine sympoetische Zusammenarbeit mit künstlichen Agenten die musikalischen Melodien in verwobene Landschaften und visuelle Darstellungen von lebenden Orchideen auf zarten Strickstücken übertragen, welche im Galerieraum installiert werden. Die Uraufführung des ersten Zyklus findet am 23. März 2022 im ITO Raum in Stuttgart in zwei Teilen statt:
Teil 1 ist ab 15 Uhr online zu sehen.
Aus einer POV-Kameraperspektive wird das Publikum das allmähliche Verschwinden der Strickstücke miterleben, während sie Reihe um Reihe in ihre Garne zurückverwandelt werden.
Teil 2 ist ab 20 Uhr online zu sehen.
Im Fortsetzungskonzert nach dem Auflösen der Strickstücke werden Erinnerungen an die Stone Orchid auf der SlowQin gespielt.
Die Ausstellung im ITO vereint eine Vielfalt von Werken die in wechselnden Konstellationen über den Ausstellungszeitraum hinweg gezeigt werden: das Geräusch des Regens, wie er im Inneren von Ästen klingt; eine Taxonomie des Waldbodens; zwei über Google Maps wiedergefundene Pfade; einen vom Wind bewegten Mondstein; die Essenz der Asche von 1.600 kg Brennholz; peripatetische Naturstudien; eine sonore Stimme im Alter Mittel minus; alle Berge des Schwarzwald, die über 1.000 Meter hoch sind; eine Interpretation von Roland Barthes´ Theorie des Neutrums; das japanische Nodate als soziale Plastik; die Erinnerung einer Schneeskulptur; das koreanische Märchen vom goldenen Zahn; einen versteckten Teegarten; das Grau des Winters und die Farben des Sommers ...
Mit Arbeiten von Shirley Cho, Florina Leinß, Shinroku Shimokawa, Patrick Suhm, Martin Wehl und Hannah Zenger.
Eine ITO Ausstellung im Langenbachhof im Schwarzwald mit Arbeiten von Shirley Cho, Florina Leinß, Shinroku Shimokawa, Patrick Suhm, Martin Wehl and Hannah Zenger.
Lea Grebe beschäftigt sich mit der Betrachtung von Natur an der Schnittstelle zu Wissenschaft und Technologie. Insekten stehen in ihren Arbeiten exemplarisch für die uns umgebenden Lebewesen und die durch sie belebten Ökosysteme. Ihre Arbeiten reflektieren zudem Techniken der Archivierung und Präsentation in Museen - fasziniert von der unmöglichen Erreichbarkeit einer wahren Ordnung der Dinge, wirkt der Systematisierungswille des Menschen verzweifelt gegenüber der entropischen Unordnung allem Natürlichen.
An Insekten lässt sich das Interesse des Menschen an der Natur auferlegten Ordnungen spiegeln und untersuchen. Der Guss der einzelnen Tiere und Pflanzen in Bronze verweist auf eine Wiederaufbereitung von Natur, welche die lebende Flora und Fauna zu Relikten der Konservierung und Musealisierung transformiert.
Bei der Fokussierung und Überstilisierung einzelner scheinbar unbedeutender Lebewesen geht es auch um die Suche nach einem neuen ökologischen empathischen Denken und einem neuen sensitiveren Zugang zu unserer Umwelt.
Zentral für Grebe ist der Begriff der Transformation. Ein Zustand, der die Möglichkeit und Hoffnung auf Veränderung in sich birgt.
Bei Hatje Cantz ist Grebes Buch Holometabolie erschienen.
Im ITO Raum sind zwei Boxen ausgestellt, die eine geöffnet, die andere verschlossen. Eine der Boxen ist ein Grundstein, ähnlich dem ersten rituellen Stein beim Hausbau. In eine Aushöhlung dieses Steins wird eine kupferne Zeitkapsel eingebettet, mit Zeitzeugnissen befüllt. Der Stein wird anschließend im versteckten Garten, hinter Hideaki Idetsukis „A solitude of place“ seinen Platz finden.
JÜRGEN KRAUSE hat diese Art der „Grundsteinlegung" bereits sechzehn Mal begangen: Seine „Grundsteine" liegen auf dem Altkönig im Taunus, bei Frankfurt, über dem Eingang einer Höhle an der Vézère, in Frankreich, auf dem Grund des Bodensees in 252 Metern Tiefe oder am Hiei-zan bei Kyoto. Diese „Grundsteine" sind die Elemente eines großen Hauses, an dem immer weiter gebaut wird, das keine Türen und keine Fenster und auch kein Dach hat. Ein anderes Gebäude, ein anderes Wohnen: „Ohne einen Wohnort zu haben, entsteht eben dort das Herz“, heißt es im Diamant-Sutra. Die Utensilien für die Grundsteinlegung und die Dinge, mit denen die Zeitkapsel befüllt wird, sind während des Ausstellungszeitraums im ITO Raum zu sehen. Am letzten Tag der Ausstellung wird der Grundstein feierlich befüllt, verschlossen und im Boden versenkt.
Die zweite „Box“ ist eine Toolbox bzw. Werkzeugkiste, die für BesucherInnen geöffnet wird. Darin befindet sich unter anderem ein japanisches Santokumesser: JÜRGEN KRAUSE hat es in Sakai, bei Osaka, von einem Schmied fertigen lassen, um es dann in mehrjähriger Arbeit ausschließlich zu schärfen – auf japanischen Schleifsteinen unterschiedlicher Körnung. Bis vom Messer, das ansonsten niemals benutzt wurde, nur noch ein Bruchteil der ursprünglichen Klinge übrig ist.
Keramik
Keramik
Keramik
Keramik
Keramik
Keramik
Keramik
Matthias Kaiser
Keramik
„Ich hatte schon immer eine Affinität zu Rätseln und Besessenheit. Die alchemistische Umwandlung der Erde in Stein und Glas ist voller Unvorhersehbarem und eine unendliche Quelle des Staunens. Ich konzentriert mich auf die inhärenten Eigenschaften des Materials und auf die Abfolge von Arbeitsschritten, die den Schöpfungsprozess ausmachen. Ich versuche diese Schritte sichtbar zu machen, nicht zu verbergen. Die fertigen Stücke behalten ein heterogenes Aussehen. Sie sind die Summe von unendlich vielen Kombinationsmöglichkeiten aus Form und Oberfläche, Textur und Farbe, Gewicht und Größe. Meine Keramiken enthalten weit mehr als nur einen funktionalen und dekorativen Aspekt. Ihre Poesie liegt in der Balance von Vorsatz und Unfall sowie im Zusammenspiel von physikalischen Eigenschaften.“
Matthias Kaiser studierte an der Parsons School of Design, New York und an der Wiener Fachhochschule für angewandte Kunst. Er absolvierte eine Ausbildung bei zwei japanischen Töpfermeistern in Seto und Karatsu, reiste zwei Jahre auf dem indischen Subkontinent und war 13 Jahre Akhavan (Gehilfe) eines iranischen Derwisch.
